アパレルってどんな仕事？

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プレタポルテについて

ペット可賃貸・ペット可物件とは、既製服、とりわけ「高級既製服」を意味する言葉。フランス語でpret（プレ）は「用意が出来ている」、porter（ポルテ）は「着る」という意味であり、a（ア）は不定詞を導く前置詞である。英語に直訳すると ready to wear、あるいは、ready to carry にあたり、「そのまま着られる」「そのまま持ち帰られる」とも訳せる。湘南不動産は、限られた個人客からの注文を受け、一点一点手作業で制作した服を顧客に渡すという流れであるが、プレタポルテ（高級既製服）は、基本的には卸売から大量受注して小売する流れとなる。「プレタポルテ」以前の既製服は、既製品という意味を持つコンフェクションやレディ・メイドと呼ばれていたが、これらの言葉が大量生産された粗悪な安物、というニュアンスを持っていたため、それらと区別するために「プレタポルテ」という言葉が生まれた。そのため、日本語では「プレタポルテ」をそのまま「既製服」と訳さず、高級既製服と訳されることが多い。プレタポルテ・コレクション中央区マンションの高級既製服展示会（プレタポルテ・コレクション）であるパリ・コレクション（パリコレ）は、高級注文服展示会から派生し、1960年代から開かれるようになった。パリ・プレタポルテ・コレクションでは、日本人を含む、フランス国外のデザイナーも大勢活躍している。オートクチュール・コレクションよりもプレタポルテ・コレクションの方が規模が大きいため、今ではパリコレといえば、プレタポルテ・コレクションを指す場合が多い。中古マンション大阪と言われる規模の大きい展示会で、パリ以外の、ロンドン・コレクション、ミラノ・コレクション、ニューヨーク・コレクション、東京コレクションの4者は、いずれもプレタポルテ・コレクションである。銀座ではオートクチュールのブランドのほとんどが、プレタポルテも手がけている。 2005年8月から年2回のペースで開催されている。主に、東京・渋谷の国立競技場代々木第一体育館で開催されるが、2007年3月の第4回は神奈川・新横浜の横浜アリーナで、2007年9月の第5回は埼玉県のさいたま新都心にあるさいたまスーパーアリーナで開催された。パリコレクションなどの既存のコレクションが、服飾メーカーが自社デザイナーの新作をバイヤーやマスコミに紹介することを目的としているのに対して、東京ガールズコレクションは、広く10代後半から20代の女性を対象とした小売販売を目的とする。主催者が、リアルクローズ（現実性のある服）と提唱するファッション性がある普段着を、舞台上でモデルに着せ、会場やインターネットでショーの様子を配信し、その場で携帯サイトやインターネットサイトをとおして販売する。蛯原友里、押切もえといった女性向けファッション誌で人気のあるモデルが多数出演することもあり、多くの若い女性からの人気が高い。ファッションを映し込んだ写真作品。流行など対象となる服または服飾品を身につけたファッションモデルを撮影し広告、ファッション雑誌などの媒体に用いたりする写真のこと。現在では消費喚起の面が強く、写真の表現傾向の変化も速い。ファッション写真は、写真の他の分野と比べても歴史的に浅く、ほとんど20世紀に入ってから成立したといわれる。それは、ファッション写真が報道写真と同様、印刷物に掲載されることが前提であり、その当初の媒体である「ファッション雑誌」の普及が、20世紀に入ってからであることに深く関わる。ファッション写真を掲載した20世紀前半の雑誌は2つあり、ヴォーグ（VOGUE、米版は1893年創刊。）ともう一つはハーパース・バザー（Harper's BAZAAR, 1867年Harper & Brothers 社より創刊）である。2誌からは、多くのファッション写真が配信され、この雑誌から多くの優れた写真家を輩出した。 2誌は人材の起用も画期的で、ハーパース・バザーにおいては1930年代半ばから1950年代末にかけて、編集者カーメル・スノー（Carmel Snow; 1887年-1961年）が登用したアートディレクター、アレクセイ・ブロドヴィッチ（。Alexey Brodovitch; 1898-1971）の2人の「黄金時代」がある。一方のヴォーグでは、これに対抗するかのようにアートディレクターのアレクサンダー・リーバーマン（Alexander Lieberman（Alexander Liberman）; 1912-1999）が誌面のデザインをつとめた1940年代・1950年代であろう。なお、ファッション写真が一応の地位を確立し得たと思われる1920年代、1930年代あたりでもなお、後発として、芸術写真、報道写真よりも低く考えられていた節がある。なお、「モード写真」という用語もあるが、それはここでの「ファッション写真」、着飾った上流階級の婦人を肖像画的に撮影した写真（ジャック＝アンリ・ラルティーグ（Jacques-Henri Lartigue; 1894-1986）ら）を含む、範囲の広い用語である。初期においては、アドルフ・ド・メイヤー（Adolf de Meyer; 1868-1946、ヴォーグの最初の専属写真家）とエドワード・スタイケン（Edward Steichen; 1879-1973、ヴォーグ）が、スタジオにおいてピクトリアリスム的なソフトフォーカスなどの手法で、いわば耽美的・幻想的かつ優雅なファッション写真を撮影している。これを受けて、セシル・ビートン（Cecil Beaton; 1904-1980、イギリス版ヴォーグ）とホルスト・P・ホルスト（Horst P. Horst; 1906-1999、フランス版ヴォーグ）は、ピクトリアリスムを捨て、シャープな視線で、モデルの撮影を続け、競い合うようにして、スタジオにおけるファッション写真の質を、著しく高めた。この結果、1920年代後半から1930年代にかけて、スタジオにおけるファッション写真は、一応の完成をみたといえるだろう。いわば、最高のモデルを、スタジオ・ライティングなど最高の撮影条件のもとで撮影する、というスタイルである。これ以降は、この完成したスタイルをどう壊し、どう変化させて、新しいものを作っていくか、という歴史となる。なお、この2人といえども、このスタイルに安住してその後変化を怠っている、という訳ではなく、後進の動きを取り入れつつ、自分たちが完成させたスタイルを乗り越えて、大きく変化させて行く事に成功している。スタジオ・ファッション写真の完成と並行して、戦後へと続いていく、大きな動きが始まっていた。 1920年代後半には、ジョージ・ホイニンゲン＝ヒューン（George Hoyningen-Huene; 1900-1968、ヴォーグのちハーパース・バザー）が、屋外に出て撮影したり、複数のモデルを1枚の作品に用いるといった、今まででは考えにくい、手法を用い始めた。さらに、1930年代に入ると、ジャーナリズム出身(報道写真出身)のマーティン・ムンカッチ（Martin Munkacsi; 1896-1963、ハーパース・バザー）が登場し、ホイニンゲン＝ヒューンの手法に加えて、タブーともいえる、動きとモデルの自然な表情をとりいれた。例えば、「笑いながら走る女性」（[1]）という、現在では何の変哲もないが、当時で言えば革命的ともいえる写真である。これにより、以前は、動きも表情もない（または凍りついたような笑いの）正にマネキンのようだったモデルが、その呪縛から解放されることになる。